Art at Amtrak

Art at Amtrak, el programa oficial de arte público de Amtrak, presenta proyectos artísticos diversos, únicos y memorables para mejorar, revitalizar y humanizar la experiencia de viaje en las estaciones de Amtrak. El programa artístico refleja y celebra la preeminencia creativa de cada región destacando a artistas contemporáneos a través de exposiciones rotativas.

El programa lanzado en la Penn Station de New York en Junio de 2022 se amplió al Moynihan Train Hall en Verano de 2023, a la Washington Union Station, a la William H. Gray III 30th Street Station en Otoño de 2023, a la Chicago Union Station en Otoño de 2024 y a la Lancaster Train Station en Invierno de 2025.

Art at Amtrak está organizado y producido por Debra Simon Art Consulting.

LIBBY MODERN Y JILL C. GOOD

Un Lugar para Cada Pieza: La Colcha Viviente de Lancaster
Telas Donadas por Miembros de la Comunidad Local

Estación de Trenes de Lancaster, Lancaster, PA

Las colchas son símbolos de calidez, confort y nuevos comienzos, y a menudo se confeccionan con materiales reutilizados, como ropa vieja, sábanas y retazos de tela. Estos elementos se unen para crear algo significativo y cohesivo, entretejiendo historias individuales e relatos colectivos. La colcha comunitaria que se exhibe en la Estación de Trenes de Lancaster es fruto de la colaboración entre las artistas locales Libby Modern, Jill C. Good, 120 participantes que donaron prendas y varias organizaciones locales, como la Biblioteca Pública de Lancaster, Church World Service, McCaskey High School Art Club, Redeemer Lutheran Church, curio Gallery and Creative Supply y Arte Público de la Ciudad de Lancaster.

Obtenga más información sobre el proyecto en itsmodernart.com/quilt o en Instagram @aplaceforeverypiece.

Libby Modern es una artista y diseñadora de Lancaster, PA cuyo trabajo explora la intersección del arte y el diseño gráfico para abordar problemas sociales y comunitarios acuciantes. En Modern Art, su estudio con escaparates situado en el corazón de la ciudad, Libby dirige una reconocida empresa de diseño especializada en estrategias de comunicación innovadoras para organizaciones sin fines de lucro, y mantiene al mismo tiempo una práctica artística socialmente comprometida centrada en la divulgación pública y la participación comunitaria. 

Jill C. Good es una tejedora de colchas y artista textil de Lancaster, PA cuyo trabajo combina las tradiciones textiles del Condado de Lancaster con técnicas modernas de improvisación. A través de exposiciones individuales, muestras en galerías y encargos privados, su arte cosechó fieles seguidores. Jill explora las intersecciones de la artesanía, el color, la textura y el estampado para reflexionar sobre las perspectivas de la mujer tanto en el ámbito doméstico como en el público.

Visite Modern Art Studio en Lancaster, PA, consulte su página web itsmodernart.com y siga a las artistas en Instagram @itsmodernart @jillcgood.

BIG DANCE THEATER

The Oath, 2024
Con coreografías de Annie-B Parson y la cineasta Alla Kovgan

Moynihan Train Hall, Pantallas Digitales
En colaboración con Empire State Development

"Desde el principio de los tiempos, en comunidades, clanes, congregaciones y clubes, hemos creado sistemas de movimiento al unísono; desde los inicios del mundo, nos hemos movido en coreografías de grandes grupos. La creación de The Oath comenzó como una exploración cronológica del registro común de la humanidad sobre este movimiento vernáculo y poético de simultaneidad, un movimiento que se practica con un propósito y por placer, tanto utópico como distópico. Este es The Oath, un encuentro de bailarines que practicamos nuestro impulso humano de representar una declaración física mayor con el fin de vincular, unir, intimar, reunirse, creer, concebir, prometer; en fin, bailar".

The Oath es una pieza de danza de 20 minutos, que fue encargada y presentada en el Perelman Performing Arts Center en el antiguo sitio del World Trade Center en Diciembre de 2023. La carga emocional de la conclusión del espectáculo inspiró a la coreógrafa Annie-B Parson a crear una película que extendiera la vida de la obra: su primera incursión independiente en el cine. Tal como Parson destaca, "El comienzo de The Oath fue una combinación de pérdida y curiosidad artística". Con la colaboración de la directora Alla Kovgan, Parson elaboró detenidamente la visión para traducir la danza en la pantalla. Rodada durante apenas dos días, la película de 20 minutos se editó en fragmentos selectos para exhibir en las 42 pantallas distribuidas en todo Moynihan Train Hall, lo que marcó la primera vez que se presentaba un espectáculo de danzas en el lugar.

Con la actuación de: Mawu Ama Ma'at Gora, Brooke Ashley Rucker, Stacy Dawson Stearns, Natalie Green, Meg Harper, Hsiao-Jou Tang, Jin Ju Song-Begin, Kashia Kancey, Joanna Kotze, Jenn Nugent, Devin Oshiro, Pamela Pietro, Kendra Portier, Chanel Stone, Paz Tanjuaquio, Isabel Umali y devika wrickmesinghe.

Annie-B Parson es una figura visionaria de la danza y el espectáculo contemporáneos, y es reconocida por su práctica artística ingeniosa e interdisciplinaria. Parson ha colaborado con una gran variedad de artistas, entre ellos, Mikhail Baryshnikov, David Byrne, Esperanza Spalding y David Bowie.

Alla Kovgan es una cineasta de New York con más de 25 años de experiencia en la combinación de cine y las artes escénicas. Es muy conocida por Cunningham (2023), una película en 3D sobre la coreógrafa Merce Cunningham, que ganó el Premio Italia y fue distribuida en 35 países. Su cortometraje Nora (2008), acerca de la coreógrafa zimbabuense Nora Chipaumire, ganó 30 premios a nivel mundial. Kovgan también codirigió y editó Movement Revolution Africa (2007) y la nominada al Emmy, Traces of the Trade (2008), y editó My Perestroika (2010). Es la creadora de la experiencia de realidad virtual 3D Devil's Lungs, que ganó el Gran Premio de Cortos de Vienna 2018.

Fundado en 1991 por Molly Hickok, Paul Lazar y Annie-B Parson, Big Dance Theater es reconocido por combinar danza, música, texto y diseño visual. Su obra abarca piezas de danza pura y de danza-teatro, y adaptaciones experimentales de la literatura. A lo largo de 33 años, la compañía ha creado más de 25 obras de danza/teatro a gran escala, desarrolladas gracias a la amplia colaboración de un variado elenco de artistas.

Siga a Big Dance Theater en Instagram @bigdancetheater y visite su sitio web para conocer los créditos completos de la película en bigdancetheater.org/shows. 

Amtrak, a través de su programa oficial de arte público, Art at Amtrak, se enorgullece de anunciar su más reciente serie de instalaciones mientras se expande al Metropolitan Lounge en la estación Washington Union Station. Para el proyecto, tres artistas, Eirini Linardaki, Tim Doud y Karen Margolis, diseñaron cada uno una pieza única específicamente para el espacio, incorporando en sus obras aspectos de la histórica estación, así como de la cultura local y la geografía de Washington, DC. El arte sirve como una mejora permanente para nuestro salón de primer nivel y continuará siendo un punto focal dentro del Metropolitan Lounge durante muchos años.

EIRINI LINARDAKI

Veo el cielo desde donde estoy_ 1, 2 y 3, 2024
Collage Digital

Salón Metropolitan Lounge de Washington Union Station

Esta serie de tres collages para Union Station en Washington, DC, celebra la vitalidad de la capital de nuestra nación. Utilizando telas de las numerosas culturas que echaron raíces en Washington, DC, las piezas combinan elementos arquitectónicos de la estación, como vistas del gran vestíbulo de salida y los casetones del techo, con sutiles referencias a los propios trenes. La pieza central ofrece una vista panorámica del histórico vestíbulo de la Union Station, con una cariátide (figura femenina esculpida que sirve como soporte arquitectónico, generalmente en lugar de una columna) reinventada como la musa de la estación. Como homenaje a una estatua que una vez estuvo en el vestíbulo en 1908, esta figura encarna el espíritu y la historia de la estación. Enmarcada por elementos de diseño Beaux-Arts, así como telas tradicionales y contemporáneas, transforma el espacio en un tapiz onírico de culturas. Los dos collages adyacentes representan un árbol centenario, que simboliza la unidad y el crecimiento de la nación, y un paisaje estampado de un viaje en Amtrak a lo largo de la Costa Este, fusionando historia, viaje y cultura en una vívida narrativa de diversidad.

TIM DOUD

A Great Public Walk, 2024
Acrílico sobre paneles de madera

Salón Metropolitan Lounge de Washington Union Station

Cuando Pierre Charles L'Enfant diseñó "La Ciudad Federal" de Washington, DC, adoptó un enfoque igualitario. El centro comercial fue diseñado en torno a la idea de que cada ciudadano es igualmente importante. A Great Public Walk refleja el papel de Union Station como un centro local, regional, nacional e internacional. El collage pintado presenta un mosaico de ropa y textiles que Doud observó usar a las personas en Union Station, lo que refleja la población y la demografía de todos los que utilizan la estación y que encarnan el propio Distrito. La plantilla del collage se deriva del mapa del National Mall en DC, específicamente alrededor de Lafayette Park, la Ellipse y se extiende hasta el Monumento a Washington. Este lugar es el centro del gobierno y su compleja historia, que atrae y da la bienvenida a personas de todo el país y del mundo. Es un lugar, en palabras de L'Enfant, que está "abierto a todos". A Great Public Walk fue la instalación inaugural de Art at Amtrak en el vestíbulo público de la estación Washington Union Station en Otoño de 2023.

Tim Doud, nació en 1961 y se graduó de The School of the Art Institute of Chicago con una maestría MFA en Pintura y Dibujo. Es Cofundador de STABLE en Washington DC, el proyecto 'sindikit en Baltimore y Coeditor de Out of Place: Artists, Pedagogy and Purpose. Le interesa el oficio de hacer, así como la legibilidad final y el aspecto del objeto confeccionado. Las pinturas y dibujos de Tim Doud abordan dos producciones de obras aparentemente distintas, una figurativa y una abstracta. Estas producciones de obras sirven como contexto para discusiones más amplias sobre las identidades construidas, las marcas y la cultura como producto. Históricamente, es retratista y le interesa cómo el retrato funciona como práctica y significante cultural. Cuando comienza una nueva serie de obras -figurativas o abstractas- establece perímetros -reglas y obstáculos que rigen la tarea y el desarrollo del trabajo.

Siga al artista en Instagram @timdoud_art y visite su sitio web en timdoud.net.

KAREN MARGOLIS

Sakura, 2024
Papel, alambre, fibra, mapas y otros medios mixtos
Incluye objetos encontrados montados sobre alambre de gallinero

Salón Metropolitan Lounge de Washington Union Station

Sakura captura una experiencia impresionista del espectacular paisaje de Washington, DC, desde la noche hasta el día y desde el amanecer hasta el atardecer, a través del color y la textura. Margolis creó un vibrante y exuberante ensamblaje de tapiz a partir de materiales descartados. Inspirada en la filosofía wabi-sabi, que honra la belleza de la imperfección, su proceso se enfoca en reformular las rupturas personales, colectivas e históricas a través del poder del color y la forma. Margolis utiliza mapas para conectar el cuerpo, la mente y el entorno. Considera el papel como un contenedor de ideas y sentimientos, y la esfera como el orden perfecto para contener el caos de la vida. Margolis moldea mapas y materiales dañados en forma esférica como una transformación alquímica de energía, generando nueva vida a partir de fragmentos. Los estados de transición de las flores de cerezo, o Sakura, desde la floración hasta la descomposición y el renacimiento son símbolos integrales a lo largo de la obra, y aluden a la turbulencia y vitalidad que ejemplifican la naturaleza efímera de la existencia. También puede encontrar el trabajo de Margolis, Continuum, en el Metropolitan Lounge de Moynihan Train Hall.

Karen Margolis es una artista multidisciplinaria que trabaja a partir de procesos y experimenta con la estructura, la forma y la materialidad, desdibujando la distinción entre el mundo interior y el exterior y aludiendo a estados de transición. Creó una instalación de arte público para la Art on Paper Fair 2020 y completó un encargo de arte público de paneles de mosaicos para MTA Arts in Transit en la estación de metro de la línea N, calle 86 de Brooklyn, en 2018. Sus últimas exposiciones individuales en galerías incluyen muestras en 490 Atlantic Gallery, Brooklyn, Foley Gallery, New York, K. Imperial Fine Arts, San Francisco y Garish & Hahn, Los Angeles. Su obra fue incluida en la exhibición "Cut up/Cut out", itinerante por museos regionales por Estados Unidos desde 2016 hasta 2021. La obra de Margolis fue exhibida en la Paper Biennial del Rainswijk Museum de los Países Bajos y en exposiciones individuales en la Bridgewater University, MA, Salon Zurcher, Paris y en colaboración con M Missoni, New York, a través de Garish & Hahn. Entre sus exposiciones anteriores figuran las del Rockland Center for the Arts, el Hunterdon Art Museum, el Weatherspoon Art Museum, el Fine Arts Center de la University of Massachusetts en Amherst, el Aldrich Museum of Contemporary Art, el Parrish Art Museum y el Delaware Center for Contemporary Art. Margolis recibió una residencia de trabajo en Dieu Donne Papermill y una beca de la Pollock-Krasner Foundation. Reside en New York, donde se licenció en Psicología y obtuvo un certificado en Microscopía. Su obra está representada internacionalmente en colecciones públicas.

Siga a la artista en Instagram @karenmargolis y visite su sitio web en karenmargolisart.com.

CAROLINE KENT

Daydreaming, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Chicago Union Station

Daydreaming de Caroline Kent adorna el corredor de la planta baja y las ventanas que dan a las vías de Chicago Union Station, y es un tributo a los momentos efímeros pero perdurables del viaje que quedan marcados en nuestros recuerdos. La obra capta la esencia de estos encuentros fugaces; objetos y arquitecturas que parecen una mezcla de imágenes, pero que más tarde se destilan en nuestra mente como composiciones vívidas.

Las escenas son tanto familiares como de ensueño: un elemento arquitectónico en la fachada de un edificio, el chorro de una fuente o un granero solitario que se alza silencioso en la distancia. Con el tiempo, los sonidos, los colores y los olores de cada experiencia se funden y crean una narración fragmentada pero conmovedora, que se guarda y se repasa durante momentos de introspección. Las formas, los colores, la composición y la materialidad traslúcida de Daydreaming encapsulan las maneras en que reorganizamos estos recuerdos emotivos; esto crea emblemas visuales de viajes pasados que cambian y evolucionan con el tiempo, y algunos resuenan más que otros.

Caroline Kent es una artista visual que reside en Chicago. Se licenció en Arte por la Universidad Estatal de Illinois y tiene una MFA de la Universidad de Minnesota. Fue galardonada con el Premio Artadia Chicago 2020 y actualmente es profesora adjunta de Arte, Teoría y Práctica en Northwestern University.

POSE

Accord, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Chicago Union Station

Para la instalación en Chicago Union Station, POSE se propuso transformar el espacio en una brillante narración abstracta inspirada libremente en la sesión de fotos de una boda que se celebraba en la estación durante su primera visita al lugar. La sesión de fotos le recordaba a POSE cómo la estación representa la conexión... cómo acerca a las personas, y en última instancia, posibilita las relaciones. Utilizó ese concepto para crear su propia narración visual no lineal, titulada Accord, que se despliega en las paredes de la estación e incluye a los espectadores en una historia en capas.

El diseño de la instalación evoca una historieta de gran tamaño que sale de los paneles y envuelve al espectador, para reflejar las narraciones de pasajeros que se superponen y tienen lugar a medida que atraviesan la estación, cada uno en su propio viaje, aunque momentáneamente en el mismo espacio, mientras esperan tomar su tren. Al igual que los personajes de Accord, POSE invita a los espectadores a ir más allá de lo que conocen y explorar el mundo, conectar con los demás y experimentar la liberación profunda que ocurre cuando recompensamos a nuestro espíritu curioso a través del viaje.

El artista POSE (Jordan Nickel) tiene una capacidad creativa para tomar objetos comunes y emociones y transformarlos en obras de arte impactantes y elaboradas mediante su uso distintivo de colores vivos, simbolismo en capas, aplicación multimedia y argumentos densos. Gravita en torno a emociones humanas universales como el amor, la pérdida y el triunfo, y las presenta en obras bidimensionales e instalaciones tridimensionales de pequeño y gran tamaño. Nació en Illinois, y actualmente vive y trabaja en Chicago.

CHAD KOURI

Reflection Pools Monument, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Chicago Union Station

Los círculos plateados metálicos de Reflection Pools Monument invitan a la experiencia de una mirada profunda que prioriza la perspectiva del espectador. Con raíces en los antiguos jardines Persas, los estanques reflectantes son serenas superficies de agua en calma que actúan como espejos, ofreciendo un momento para detenerse y reflexionar tanto física como mentalmente. De manera similar, los círculos plateados metálicos en la obra de Kouri invitan al espectador a ver lo que lo rodea desde un punto de vista tranquilo. Juntos, la superficie circular en forma de espejo y los fondos de colores planos pretenden hacer que se sienta tranquilo, enraizado y cuidado.

Observe cómo los diferentes aspectos de su entorno se enfocan y desenfocan a medida que se desplaza. Fíjese cómo cambian los círculos al pasar a diferentes horas del día. Este "cambio" actúa como recordatorio para llevar una vida de curiosidad por encima del desdén, de asombro por encima del resentimiento y de respeto tanto por usted como por el mundo que lo rodea.

Chad Kouri es un artista, músico y narrador residente de Chicago, interesado en los poderes sanadores del color, el sonido y la abstracción. Su identidad mestiza se refleja en su estudio multidisciplinario, con intereses en la teoría del color, la comunicación visual, la alegría radical, la justicia social y el empoderamiento de la comunidad.

NEKISHA DURRETT

Farewell, We’re Good and Gone, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Washington Union Station

Farewell, We're Good and Gone invita a los espectadores a considerar qué se revela y qué se oculta cuando se filtra información a lo largo del tiempo. A través de historias personales y colectivas que contienen tanto alegría como dolor, belleza y tristeza, la artista Nekisha Durrett ilumina narraciones marginadas de resistencia silenciosa y la resiliencia perdurable del espíritu.

Esta instalación específica del lugar amplifica un aspecto central, pero a menudo pasado por alto, de la historia estadounidense: La Gran Migración. La obra se ocupa de los más de seis millones de Afroamericanos que migraron al Norte y al Oeste entre 1916 y 1970, y los ferrocarriles que hicieron posible ese movimiento. Durrett utilizó la IA Midjourney para crear un archivo de figuras Afroamericanas aventureras y esperanzadas y las colocó en primer plano, evocando el viaje de su propia familia desde Carolina del Norte a Washington, DC, en busca de mejores oportunidades económicas y educativas.

Estas figuras, así como los objetos relevantes a este momento de la historia, se disponen dentro de una cuadrícula triangular superpuesta con un gradiente de color gradual. Esta cuadrícula está inspirada en las intrincadas ventanas similares a las de una catedral del Great Hall de la estación y en los motivos geométricos de vivos colores utilizados por los bordadores de colchas Afroamericanos. Las colchas fueron una parte integral de la Gran Migración, ya que los diseños codificaban mensajes secretos para quienes huían del Sur durante la esclavitud. Los viajeros contemporáneos se paran bajo esta obra expansiva que les recuerda cómo la resistencia Negra motivó una inspiradora búsqueda de la libertad durante una época a menudo llena de miedo e incertidumbre.

Nekisha Durrett es una artista de técnicas mixtas residente de Washington DC, que utiliza el lenguaje visual de los medios de comunicación de masas para poner de relieve historias que no suelen homenajearse. Su obra contempla la poca fiabilidad de la memoria, y cómo los prejuicios filtran la información a lo largo del tiempo y hacen referencia a las historias individuales y colectivas de la vida y la imaginación de los Negros. Durrett obtuvo su licenciatura BFA en The Cooper Union en NYC y su MFA de la Universidad de Michigan.

VIVA DANCE SCHOOL

Presentación de danza interpretativa, 2024

Washington Union Station

Bailarines de Viva School, con sede en Washington, DC celebran la presentación de Farewell, We're Good and Gone, de Nekisha Durrett, con tres representaciones el 1 de Octubre de 2024.

ROXANA AZAR

Flourish, 2024
Ventanas, Cira Skybridge, impresión digital en película con efecto moiré

Philadelphia William H. Gray III 30th Street Station
Ventanilla de Atención al Cliente, Explanada Principal

La obra de Roxana Azar se centra en cómo la vida vegetal puede prosperar, incluso en circunstancias difíciles. Mediante la manipulación digital de fotografías, la artista crea obras de inspiración botánica que evocan la vitalidad de entornos prósperos y exuberantes llenos de movimientos y energía.

Flourish se creó a partir de la superposición, abstracción y manipulación de fotos tomadas en invernaderos a lo largo del país. Un invernadero establece y mantiene las condiciones necesarias para que los trasplantes botánicos florezcan, a pesar del cambio de ubicación y de clima de la planta. Las ventanas del Cira Skybridge se transforman en un espacio similar a un invernadero donde las formas botánicas de Azar, creadas con colores vivos y detalles simples, se mueven y fluyen a la perfección acompañando la actividad del puente. Del mismo modo, la impresión digital sobre película de efecto moiré está pensada para verse en movimiento: los colores y las formas ondulan al pasar. Estas composiciones lúdicas establecen un paralelismo entre las raíces vitales de las plantas y la importancia de nuestros sistemas de transporte. Nuestros sistemas de transporte, al igual que los componentes de una planta, son esenciales para crear conexiones y ayudar a las redes de personas a florecer y brillar.

Roxana Azar es una artista multidisciplinaria radicada en Philadelphia. Sus esculturas de plexiglás, arte lumínico y collages fotográficos digitales generan experiencias visuales dinámicas y variables. Las imágenes inspiradas en la naturaleza se distorsionan y manipulan mediante transparencias, sombras que cambian de color y materiales reflectantes. Su obra incluye jarrones holográficos, móviles, muebles y flores lucite con imágenes de invernaderos y jardines en collage.

CHITRA GANESH

Regeneration, 2024
Impresión digital sobre adhesivo de vinilo

Rotonda de Penn Station

Chitra Ganesh, artista de Brooklyn, desarrolló una extensa obra basada en el dibujo y la pintura, que ahora incorpora animaciones, collages, instalaciones a gran escala, murales, videos y esculturas. Ganesh utiliza sus obras para conciliar representaciones de la feminidad, la sexualidad y el poder, y abordar la interconexión de la experiencia humana con el entorno natural.

De manera similar a la animación digital titulada Coherence que Ganesh creó para Moynihan Train Hall, Regeneration en Penn Station invita a los espectadores a hacer una pausa y desconectarse de sus ajetreados viajes al trabajo para contemplar la obra que Ganesh diseñó específicamente para ese espacio. Presenta elementos naturales representados en un estilo gráfico que evoca aspectos de la cultura pop y los cómics y refleja temas de ciencia ficción y viajes en el espacio-tiempo.

Algunos de los temas, como la Rosa de Jericó y la planta Welwitschia del Sudoeste de África, representan la resiliencia, ya que tienen la capacidad natural de vivir durante largos períodos de tiempo y de regenerarse tras períodos de letargo. Gran parte de la flora representada es común, como los dientes de león y los lirios, que uno puede encontrarse paseando por New York City; y las frutas representadas, como las mandarinas o las aceitunas, tienen un significado cultural específico. Fuera de los muros de la estación, estos elementos naturales marcan la experiencia del estrés urbano con una belleza y una abundancia que perseveran más allá de las limitaciones de la humanidad.

La regeneración pretende conectarnos a la tierra y recordarnos la energía y la vida que prosperan fuera de las formas creadas por el ser humano y las realidades construidas. La instalación nos reconecta con elementos que trascienden hábitos y deseos, lo que fomenta en última instancia una regeneración de la perspectiva y un reinicio tanto mental como físico.

EIRINI LINARDAKI

Working Background, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Penn Station, Explanada de Salidas y Pasillo Hilton

Como artista profundamente vinculada al transporte público por el trabajo de su padre como conductor de autobús en Grecia, Eirini Linardaki siente una gran satisfacción al presentar Working Background, que incorpora telas y patrones encontrados tanto en la estación como recolectados en el vecino distrito del sector textil. Estos patrones representan el multiculturalismo, la energía y la fuerza de Penn Station y su importancia para la ciudad. En el corazón del proyecto están los retratos de las personas que hacen posible el funcionamiento diario de Penn Station. Desde electricistas de tracción a ingenieros de sistemas, pasando por el personal de limpieza de las estaciones o los queridos Red Caps de Amtrak, esta obra es una oda a su compromiso y a las conexiones humanas que sustentan nuestros sistemas de transporte público.

Linardaki utiliza métodos digitales y analógicos para crear collages que evocan sentimientos de memoria y temas de intercambio social y comunidad. Su objetivo es fomentar la comprensión y el aprecio interculturales, y ser catalizadora del diálogo y la conexión.

Eirini Linardaki, nacida en Athens (Greece), es una artista visual Greco-Francesa y desarrolladora de proyectos de arte público con base en New York City, Newark y la isla de Crete. Desde su trabajo como activista ambiental en su juventud en su país natal hasta su posterior trabajo con Handicap International en Liberia defendiendo a las personas con discapacidad, su trayectoria está marcada por la acción medioambiental, el compromiso con la justicia social y la conexión humana.

Se formó en Bellas Artes en el L.I.T. de Limerick (Ireland), la Universität Der Kunst de Berlin (Germany) y la Ecole Superieure des Beaux-Arts de Marseille (France). Sus proyectos, arraigados en el compromiso comunitario, destacan la accesibilidad y el multiculturalismo.

Linardaki desarrolló numerosos proyectos de arte público en los U.S., colaborando con organizaciones como el Departamento de Parques de New York, la Oficina del Alcalde de NYC para la Política Climática, y el Departamento de Transporte de NYC. Como parte de su práctica artística basada en la comunidad, fue miembro activo de Audible's Newark Artist Collaboration, una iniciativa para transformar Newark (New Jersey) a través del arte público. En 2024, creó una instalación digital a gran escala para la Grand Central Terminal por encargo de la MTA Arts & Design y otra para la Brooklyn-Queens Expressway en DUMBO.

El trabajo de Linardaki fue reconocido con el 2022 Artivist Award de Sing for Hope y la Andy Warhol Foundation for the Visual Arts Newark Artist Accelerator Grant para 2023. Es madre de dos niños.

Siga a la artista a través de Instagram @linardakiandco y su sitio web linardaki-parisot.com.

MARISA MORÁN JAHN

Re/Connections, 2023
Impresión digital sobre tejido de malla

Block 675 Fence, 30th Street, NYC

Situada a lo largo de la autopista West Side de Manhattan, junto al río Hudson y en lo que antes era una zona pantanosa, Re/Connections, de la artista Marisa Morán Jahn, es una serie de impresiones digitales a gran escala sobre tejido de malla que plantean una reflexión sobre nuestra relación de interdependencia con el agua. 

Re/Connections se inspira en el arte mesoamericano y chino de las formas recortadas en papel, donde se dice que las perforaciones dejan pasar el pasado. Para Jahn, de ascendencia china y ecuatoriana, los agujeros dentro de la obra y la superficie de malla sirven de portales o pasadizos que conectan tiempos y lugares. En Re/Connections, la artista reflexiona sobre la historia del lugar como ruta comercial clave y fuente de sustento para animales y seres humanos. Al situar la obra en torno al área donde Amtrak y la Comisión de Desarrollo de Gateway construirán un nuevo túnel ferroviario que unirá New York y New Jersey, Re/Connections invita a meditar sobre el papel transformador del transporte y las rutas comerciales que siguen existiendo hoy en día. "Nuestra administración de recursos públicos como el agua, los ferrocarriles y el espacio cívico son fundamentales para que las comunidades progresen y fortalezcan su resiliencia", afirma Jahn.

Las obras de Marisa Morán Jahn redistribuyen el poder y "son un ejemplo de las posibilidades que ofrece el arte como práctica social" (ArtForum). Jahn, que explora "los espacios cívicos y el arte radical del juego" (Chicago Tribune), codiseña proyectos de pequeña escala a escala urbana con familias inmigrantes, trabajadores domésticos y residentes de viviendas sociales. El trabajo de Jahn atrajo la atención de millones de personas en las Naciones Unidas, el Festival de Cine de Tribeca, la Casa Blanca de Obama, la Bienal de Arquitectura de Venecia y a través de la cobertura mediática en la BBC, CNN, PBS Newshour, The New York Times, Univision Global y más. Es becaria de Sundance y Creative Capital, investigadora principal en el MIT (su alma mater), artista residente en el Museo Nacional de la Vivienda Pública y directora de Diseño Integrado en Parsons/The New School. Jahn es coautora, junto a Rafi Segal, del libro Design & Solidarity (Columbia University Press, 2023), y cofundadora de Carehaus, el primer proyecto estadounidense de covivienda basada en la asistencia. Está representada por Sapar Contemporary.

Siga al artista en Instagram @marisa_jahn y visite su sitio web en marisajahn.com.

Agradecimiento especial a

Marisa Morán Jahn / Studio REV- 

Micah Campbell Smith, desarrolladora comunitaria 

Ananya Mishra, asistente del estudio

ADAM CRAWFORD

EUPHONIC & CHROMATIC DRIFT, 2023
Impresión digital sobre película adhesiva de vinilo transparente

William H. Gray III 30th Street Station, explanada principal

La profesión de Adam Crawford se basa en su deseo de crear obras de arte visualmente atractivas y estilísticamente únicas que atraigan a un público diverso. Al diseñar el encargo para Art at Amtrak, Crawford se centró en las marcadas líneas de la arquitectura existente, la verticalidad y altura del espacio y la simetría espacial de la explanada principal. También tuvo en cuenta la relación entre el movimiento y el sonido y cómo ambos se amplifican en un gran centro de tránsito, lo que en última instancia repercute en su energía general.

La obra resultante, Euphonic and Chromatic Drift, es un mural de vinilo transparente en las fachadas de las ventanas de los extremos este y oeste de la estación que recurre a motivos, bordes redondeados y colores como respuesta a la composición lineal de la arquitectura. Crawford utilizó como base el diseño de cuadrícula existente y esbozó formas y caminos que se extienden desde y dentro de las líneas de cada marco de ventana y columna. Sus formas resonantes y su color saturado comunican movimiento y energía a través y alrededor de los marcos, haciéndose eco del flujo colectivo de quienes pasan por la estación un día cualquiera.

Adam Crawford vive y trabaja en Philadelphia desde hace 29 años. Cuenta con títulos de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts y de la University of Pennsylvania. Crawford siente especial atracción por los encargos a gran escala, tanto en interiores como en exteriores, y sus murales públicos están repartidos por toda Philadelphia.

Siga al artista en Instagram @acrawfordart y visite su sitio web en adamcrawfordart.com.

Una galardonada conservadora y productora de artes públicas, Debra Simon tiene más de 30 años de experiencia en programación de artes visuales y escénicas para organizaciones cívicas, la industria de bienes raíces y otras empresas. Mientras trabajaba en Downtown Alliance, creó la serie de conciertos Music at Castle Clinton, Dine Around Downtown y cofundó el Festival River to River en 2002. Como Directora de Artes de Times Square, Simon supervisó Midnight Moment, la exhibición de arte digital más grande del mundo en vallas publicitarias electrónicas, y la competencia anual de diseño Valentine Heart, entre otros proyectos para los más de 300,000 visitantes diarios de Times Square. Como Directora Artística de Brookfield Properties, dirigió un programa artístico nacional que planeó y ejecutó una programación multidisciplinaria, presentando más de 500 eventos gratuitos al año en New York, Denver, Los Angeles y Houston. Las colaboraciones con artistas, arquitectos, paisajistas, organizaciones artísticas locales y socios presentadores contribuyeron a su experiencia en la creación y reinvención de espacios públicos. Los clientes actuales incluyen Amtrak, Taconic Partners, Hudson Yard Hell's Kitchen Alliance, Fifth Avenue Association y Third Street Music School Settlement. Para obtener más información, visite Debra Simon Art Consulting. Simon está colaborando con el productor Common Ground Arts para realizar Art at Amtrak. Visite dsimonartconsulting.com para más información.