Art at Amtrak

Art at Amtrak, el programa oficial de arte público de Amtrak, presenta proyectos artísticos diversos, únicos y memorables para mejorar, revitalizar y humanizar la experiencia de viaje en las estaciones de Amtrak. El programa artístico refleja y celebra la preeminencia creativa de cada región destacando a artistas contemporáneos a través de exposiciones rotativas.

El programa se presentó en New York Penn Station en junio de 2022, y se extendió al Moynihan Train Hall en el verano de {[#], a Washington Union Station y William H. Gray III 2023th Street Station en el otoño de 30.

Art at Amtrak está organizado y producido por Debra Simon Art Consulting.

CHITRA GANESH

Coherence, 2024
Animaciones digitales

Moynihan Train Hall, pantallas digitales de la sala principal
En colaboración con Empire State Development

A lo largo de 20 años de trabajo, Chitra Ganesh, artista de Brooklyn, desarrolló una extensa obra basada en el dibujo y la pintura, que evolucionó hasta abarcar animaciones, collages, imágenes generadas por computadora, videos y esculturas. Ganesh utiliza sus obras para conciliar representaciones de la feminidad, la sexualidad y el poder, y abordar la experiencia humana. Para sus creaciones se inspira con frecuencia en la iconografía Hindú y Budista y en formas artísticas del sur de Asia, como Kalighat y Madhubani.

La secuencia de movimientos incluida en Coherence se inspira en la "respiración coherente", una práctica que se basa en la meditación y la concentración y que consiste en realizar respiraciones largas y profundas a un ritmo lento. Este tipo de ejercicio respiratorio tiene sus raíces en culturas antiguas y, cuando se combina con simples movimientos sincronizados, ayuda a alinear el sistema nervioso simpático y puede ser útil en el tratamiento de la ansiedad, la depresión y el Trastorno de Estrés Postraumático (TEPT). La práctica también puede aumentar la capacidad y la amplitud de un individuo para que pueda soportar mejor las tensiones de la vida cotidiana.

Coherence ofrece a los visitantes de Moynihan Train Hall la oportunidad de contemplar, detenerse y experimentar un momento de tranquilidad a su paso por este espacio público tan transitado. Cada pantalla recorre un entorno diferente con movimientos similares, reflejando cómo cada uno de nosotros se desenvuelve en un espacio mental y físico único, pero con paralelismos. El tiempo y la secuencia de las imágenes resuenan con el flujo rítmico de los cuerpos humanos en movimiento y motivan a los espectadores a detenerse y participar, con sus propios cuerpos, en los movimientos armónicos que ven en la pantalla.

Chitra Ganesh, nacida en 1975 en Brooklyn, NY, se licenció en Arte-Semiótica y Literatura Comparada en Brown University. Posteriormente asistió a la Skowhegan School of Painting and Sculpture y obtuvo un máster en Artes Visuales en Columbia University, NY, en 2002.

La obra de Ganesh se ha expuesto por todo Estados Unidos y a escala internacional. Su obra está representada en las colecciones del Museum of Modern Art, NY, USA; San Francisco Museum of Modern Art, CA, USA; Whitney Museum of American Art, NY, USA; The Brooklyn Museum, NY, USA; The Art Institute of Chicago, IL, USA; Smithsonian American Art Museum, Washington, DC; The Ford Foundation, NY, EE.UU.; University of Michigan Museum of Art, MI, EE.UU.; The Pennsylvania Academy of Fine Arts, PA, EE.UU.; the Devi Art Foundation, India; Kiran Nadar Museum, Delhi, India; the Saatchi Collection, Londres, UK; Burger Collection, Hong Kong; Deutsche Bank, entre otros.

Ganesh recibió numerosas becas y premios de diversas organizaciones, como New York Foundation for the Arts, Printed Matter, Art Matters Foundation, John Simon Guggenheim Memorial Foundation Fellowship, Joan Mitchell Foundation, Pollock Krasner Foundation y Lewis Center for the Arts. Vive y trabaja en Brooklyn, NY.

Foto de Dolby Chadwick Gallery

KATHERINE TZU-LAN MANN

Serie Shen del Río Potomac, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Washington Union Station, Área de Espera de Pasajeros

La artista Katherine Tzu-Lan Mann crea pinturas e instalaciones de papel a gran escala que exploran la mitología, la identidad y el paisaje. Con la noción de país profundamente ligada a la interpretación de la identidad cultural y nacional, Mann pinta reinos abstractos que se sitúan dentro, y negocian entre, los cánones chinos y occidentales de la realización de pinturas de paisajes.

Para la serie Shen del río Potomac, Mann usa flora y fauna, como nenúfares, lechugas de agua y tréboles, para dar forma a imágenes de mundos flotantes que se extienden a partir de la naturaleza, una referencia a las "balsas de nubes" que suelen representarse en la iconografía budista. Estos elementos se entrelazan en volutas de guirnalda que crecen a partir de la forma de una almeja ubicada en el centro de cada mural. Las figuras de la almeja central representan las almejas de agua dulce endémicas del Río Potomac, mientras que los pergaminos aluden a la documentación de narraciones históricas y mitológicas que configuran el pasado y ayudan a conformar el futuro. Las figuras de almejas que pinta Mann también hacen referencia a los monstruos marinos de tipo marisco en la tradición china, llamados shen, que crean espejismos de ciudades, edificios y mundos enteros a partir de burbujas y que, en definitiva, inspiran el título de la serie.

Al aludir al mítico shen y a las "balsas de nubes" por medio de la ilustración de criaturas y extractos naturales que se encuentran en el querido río local de Washington, DC., este mural celebra la magia y majestuosidad de los diminutos habitantes de nuestro ambiente próximo.

Katherine Tzu-Lan Mann explora la pintura de paisajes, el ambiente y el distanciamiento cultural mediante la creación de pinturas e instalaciones exuberantes en papel, a escala cinematográfica. Estas obras combinan la sensibilidad romántica, utópica e inmersiva tanto de los paisajes chinos como occidentales con un repertorio que se extrae de la mitología personal fundamentada por la identidad de Mann, que se define como estadounidense de origen asiático de segunda generación y biracial. Ha recibido numerosas becas y subvenciones, y su obra se ha exhibido en el Kreeger Museum, Academy Art Museum, Welters Art Museum, American University Museum, Tides Museum, Corcoran Gallery of Art, Rawls Museum, el consulado de EE. UU. en Dubái (Emiratos Árabes Unidos), y la embajada de EE. UU. en Yaounde, Camerún. Mann está radicada en Washington, DC, y cuenta con la representación de la galería Morton Fine Art.

Siga a la artista en Instagram @ktzulan y visite su sitio web en https://www.katherinemann.net/.
 

Foto de Art Enables

ART ENABLES

Adelante: Exhibición grupal, 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Washington Union Station, Pasaje de Hangar norte

Art Enables es un estudio y galería de arte dedicada a aumentar los empleos creativos de artistas con discapacidad. Guiada por la creencia de que los artistas con discapacidad son esenciales para un paisaje artístico sólido, Art Enables ofrece una plataforma para que los artistas residentes desarrollen y expongan sus obras, y que puedan crear un espacio para sus perspectivas únicas a la vez que derriban los estereotipos y celebran la inclusión.

Art at Amtrak se enorgullece de presentar el trabajo dinámico de 22 artistas residentes de Art Enables en Washington Union Station, que ofrece a los viajeros una ventana a una parte increíble de la abundante comunidad artística del distrito. Todos los artistas de esta exhibición son, en su mayoría, autodidactas y representan una amplia gama de estilos. Algunos hacen uso de una precisión limpia que evoca paisajes naturales y escenas realistas, mientras que otros usan figuras abstractas y formas desplazadas para introducir sujetos familiares con una energía inesperada. Muchos artistas prestan especial atención a cada centímetro de espacio, y lo llenan con lo que podría describirse como la ausencia de sujeto con un abundante trabajo de trazos.

Aquí, seis grupos de cinco ventanas representan esta diversidad visual, unificada por diversos temas. Un horizonte continuo abarca paisajes de viajes en el conjunto Around the World in Eighty Days, mientras que líneas ondulantes y coloridas pasan sin dificultad a través del Technicolor Wind. Las rayas y los patrones densamente compactos refuerzan las figuras humanas en Holding Pattern. En Party Guests y Tide Pool, las formas alegres bullen, florecen y vibran juntas en estrecha cercanía. Y, por último, Born in the Trees comparte los exhuberantes paisajes de hábitats de aves y flores en tonalidades verdes intensas y amarillos mantecosos.

Jay Bird, Duane Blacksheare-Staton, Mara Clawson, Calvin "Sonny" Clarke, Jacqueline Coleman, Jabari Cooper, Josephine Finnell, Payman Jazini, Charmaine Jones, Toni Lane, Helen Lewis, Keith Lewis, Paul Lewis, Raymond Lewis, CeeJ Maples, Charles Meissner, Gary Murrell, Dennis Quillin, Jamila Rahimi, Eileen Schofield, A.T. e Imani Turner.

Seleccionados por Marissa Long, directora y curadora de la galería Art Enables

Siga a Art Enables en Instagram @artenables o visite art-enables.org.

RICO GATSON

Untitled (Collective Light Transfer), 2024
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Rotonda y Explanada de NY Penn Station

La variada obra del artista con sede en Nueva York, Rico Gatson, articula visualmente, de manera abstracta, la superposición de ideas e inspiraciones que ha tenido a lo largo de su carrera. Estas incluyen la espiritualidad, la práctica artística africana, nativa e indígena, la música como fuerza trascendental, la iluminación como concepto, las matemáticas abstractas y el papel del arte en movimientos de contracultura e identidad política.

Para "Untitled (Collective Light Transfer)", Gatson diseñó composiciones geométricas que continúan haciendo referencia a estos temas. Su paleta de colores cuidadosamente seleccionada y la proporción de contraste iluminan la estación con una energía palpitante, mientras que las imágenes llenas de patrones aportan una sensación de ritmo y marcada energía. Las líneas radiantes y los círculos concéntricos hacen eco del movimiento colectivo de los cuerpos que circulan por la Estación Penn.

En general, los diseños de "Untitled (Collective Light Transfer)" se unen para elevar, reflejar y guiar a los viajeros mientras se desplazan por la rotonda, la explanada, el tren y hacia su próximo destino.

Rico Gatson es un artista visual multimedia cuya obra explora temas de historia, identidad, cultura pop y espiritualidad a través de la escultura, la pintura, el video y proyectos de arte público. Durante casi tres décadas, ha sido reconocido por sus obras de carácter pólitico, a menudo basadas en momentos significativos de la historia afroamericana como los Disturbios de Watts, la formación de los Panteras Negras, la elección del Presidente Barack Obama y otros temas relacionados. En 2019, Gatson realizó un importante encargo para MTA Arts & Design titulada "Beacons" que se encuentra en la estación de subterráneo 167th Street en la Gran Explanada. Se trata de ocho retratos en mosaico a gran escala de figuras significativas relacionadas con el Bronx. Sus obras se han expuesto a nivel nacional e internacional en numerosas instituciones como The Studio Museum en Harlem, NY; The Contemporary Art Museum de la University of South Florida, FL; The Whitney Museum of American Art, NY; The Smithshonian American Art Museum, Washington, DC, y The Essl Museum, Austria. Gatson es profesor de la Escuela de Artes Visuales de Nueva York, y NYU y vive y trabaja en Brooklyn, NY.

Siga a la artista en Instagram @rico_gatson y visite el sitio web milesmcenery.com/artists/rico-gatson.

MARISA MORÁN JAHN

Re/Connections, 2023
Impresión digital sobre tejido de malla

Block 675 Fence, 30th Street, NYC

Situada a lo largo de la autopista West Side de Manhattan, junto al río Hudson y en lo que antes era una zona pantanosa, Re/Connections, de la artista Marisa Morán Jahn, es una serie de impresiones digitales a gran escala sobre tejido de malla que plantean una reflexión sobre nuestra relación de interdependencia con el agua. 

Re/Connections se inspira en el arte mesoamericano y chino de las formas recortadas en papel, donde se dice que las perforaciones dejan pasar el pasado. Para Jahn, de ascendencia china y ecuatoriana, los agujeros dentro de la obra y la superficie de malla sirven de portales o pasadizos que conectan tiempos y lugares. En Re/Connections, la artista reflexiona sobre la historia del lugar como ruta comercial clave y fuente de sustento para animales y seres humanos. Al situar la obra en torno al área donde Amtrak y la Comisión de Desarrollo de Gateway construirán un nuevo túnel ferroviario que unirá New York y New Jersey, Re/Connections invita a meditar sobre el papel transformador del transporte y las rutas comerciales que siguen existiendo hoy en día. "Nuestra administración de recursos públicos como el agua, los ferrocarriles y el espacio cívico son fundamentales para que las comunidades progresen y fortalezcan su resiliencia", afirma Jahn.

Las obras de Marisa Morán Jahn redistribuyen el poder y "son un ejemplo de las posibilidades que ofrece el arte como práctica social" (ArtForum). Jahn, que explora "los espacios cívicos y el arte radical del juego" (Chicago Tribune), codiseña proyectos de pequeña escala a escala urbana con familias inmigrantes, trabajadores domésticos y residentes de viviendas sociales. El trabajo de Jahn atrajo la atención de millones de personas en las Naciones Unidas, el Festival de Cine de Tribeca, la Casa Blanca de Obama, la Bienal de Arquitectura de Venecia y a través de la cobertura mediática en la BBC, CNN, PBS Newshour, The New York Times, Univision Global y más. Es becaria de Sundance y Creative Capital, investigadora principal en el MIT (su alma mater), artista residente en el Museo Nacional de la Vivienda Pública y directora de Diseño Integrado en Parsons/The New School. Jahn es coautora, junto a Rafi Segal, del libro Design & Solidarity (Columbia University Press, 2023), y cofundadora de Carehaus, el primer proyecto estadounidense de covivienda basada en la asistencia. Está representada por Sapar Contemporary.

Siga al artista en Instagram @marisa_jahn y visite su sitio web en marisajahn.com.

Agradecimiento especial a

Marisa Morán Jahn / Studio REV- 

Micah Campbell Smith, desarrolladora comunitaria 

Ananya Mishra, asistente del estudio

ADAM CRAWFORD

EUPHONIC & CHROMATIC DRIFT, 2023
Impresión digital sobre película adhesiva de vinilo transparente

William H. Gray III 30th Street Station, explanada principal

La profesión de Adam Crawford se basa en su deseo de crear obras de arte visualmente atractivas y estilísticamente únicas que atraigan a un público diverso. Al diseñar el encargo para Art at Amtrak, Crawford se centró en las marcadas líneas de la arquitectura existente, la verticalidad y altura del espacio y la simetría espacial de la explanada principal. También tuvo en cuenta la relación entre el movimiento y el sonido y cómo ambos se amplifican en un gran centro de tránsito, lo que en última instancia repercute en su energía general.

La obra resultante, Euphonic and Chromatic Drift, es un mural de vinilo transparente en las fachadas de las ventanas de los extremos este y oeste de la estación que recurre a motivos, bordes redondeados y colores como respuesta a la composición lineal de la arquitectura. Crawford utilizó como base el diseño de cuadrícula existente y esbozó formas y caminos que se extienden desde y dentro de las líneas de cada marco de ventana y columna. Sus formas resonantes y su color saturado comunican movimiento y energía a través y alrededor de los marcos, haciéndose eco del flujo colectivo de quienes pasan por la estación un día cualquiera.

Adam Crawford vive y trabaja en Philadelphia desde hace 29 años. Cuenta con títulos de la Pennsylvania Academy of the Fine Arts y de la University of Pennsylvania. Crawford siente especial atracción por los encargos a gran escala, tanto en interiores como en exteriores, y sus murales públicos están repartidos por toda Philadelphia.

Siga al artista en Instagram @acrawfordart y visite su sitio web en adamcrawfordart.com.

Una galardonada conservadora y productora de artes públicas, Debra Simon tiene más de 30 años de experiencia en programación de artes visuales y escénicas para organizaciones cívicas, la industria de bienes raíces y otras empresas. Mientras trabajaba en Downtown Alliance, creó la serie de conciertos Music at Castle Clinton, Dine Around Downtown y cofundó el Festival River to River en 2002. Como Directora de Artes de Times Square, Simon supervisó Midnight Moment, la exhibición de arte digital más grande del mundo en vallas publicitarias electrónicas, y la competencia anual de diseño Valentine Heart, entre otros proyectos para los más de 300,000 visitantes diarios de Times Square. Como Directora Artística de Brookfield Properties, dirigió un programa artístico nacional que planeó y ejecutó una programación multidisciplinaria, presentando más de 500 eventos gratuitos al año en New York, Denver, Los Angeles y Houston. Las colaboraciones con artistas, arquitectos, paisajistas, organizaciones artísticas locales y socios presentadores contribuyeron a su experiencia en la creación y reinvención de espacios públicos. Los clientes actuales incluyen Amtrak, Taconic Partners, Hudson Yard Hell's Kitchen Alliance, Fifth Avenue Association y Third Street Music School Settlement. Para obtener más información, visite Debra Simon Art Consulting. Simon está colaborando con el productor Common Ground Arts para realizar Art at Amtrak. Visite dsimonartconsulting.com para más información.