Art at Amtrak - Obras de Arte de Otoño de 2023

TIM DOUD

A Great Public Walk, 2023
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Washington Union Station, Área de Espera de Pasajeros y Hangar norte
 

A Great Public Walk, la obra de arte encargada para Union Station por el programa Art de Amtrak, considera el espectro local, nacional e internacional de quienes atraviesan la estación, así como la importancia histórica de Washington DC.

El artista residente en DC Tim Doud tuvo en cuenta el plano del ingeniero francés Pierre Charles L'Enfant para la capital de nuestro país. La pieza central del plano de L'Enfant era un gran "paseo público" en forma de anchas avenidas, plazas públicas y edificios inspiradores. Doud tomó ese diseño y luego insertó imágenes recortadas de patrones de ropa, logotipos y textiles que fueron usados por personas que él observó moviéndose por Union Station y en toda la ciudad.

El mural resultante es un tapiz creado a través de la mirada de preferencias de estilo que refleja directamente las identidades, la demografía y las personalidades de quienes frecuentan la estación, todo organizado dentro del plano de L'Enfant para Washington DC. 

SHAHZIA SIKANDER

Singing Suns, 2023
Videoinstalación

Moynihan Train Hall, pantallas digitales de la sala principal
En colaboración con Empire State Development
 

"Singing Suns es una animación en video creada a partir de dibujos en tinta. La disrupción como medio de exploración es un elemento constante en mi estrategia de proceso experimental. La iconografía surge de separar la silueta de la cabeza del cuerpo de los personajes femeninos llamados gopis, que suelen pintarse como devotas del singular dios masculino Krishna en las pinturas de manuscritos históricos del sur de Asia. Para desarrollar el aparato femenino de poder, eliminé a Krishna de la ecuación y, a continuación, separé el "cabello" de la gopi del restrictivo contexto de género del cuerpo de la gopi en las pinturas tradicionales para darle mayor amplitud y autonomía. Las formas del cabello pintado en dorado funcionan como un sistema de partículas no binario. Cuando se multiplican por millones, pueden moverse y transformarse, fluctuando entre estados sólidos y líquidos, como el océano, el desierto o la Vía Láctea. El motivo del cabello en su estado cinético puede evocar nuevas asociaciones con los cambiantes patrones migratorios de aves, murciélagos e insectos. El flujo es una metáfora de identidades, géneros y vocabularios separados por guiones. Desprenderse es renovarse. La noción es desarticular, de modo que el relato femenino quede liberado para crear su propia historia y potenciar su propia narrativa.

El arte vive, sobrevive, inspira. Es desordenado, es complicado, se parece mucho a la vida. Para mí, se trata de la construcción del conocimiento: cómo reconocemos nuestra alteridad en un mundo cambiante, cómo nos aproximamos, reproducimos y recreamos nuestra cultura e historia. Todo lo que hacemos, consumimos y devolvemos tiene resonancia y consecuencias más allá de nuestras vidas inmediatas. La propia historia es un relato del movimiento de objetos y cuerpos. El comercio, la esclavitud, la migración, la ocupación colonial... son corrientes subyacentes, los ejes fundamentales de la modernidad. Estoy interesada en la historia, en la política y también en el dinamismo de la forma: la forma como algo vivo y en interacción con su tiempo y su espacio".

DAVID RIOS FERREIRA

Get Carried Away, You Have the Right, 2023
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Rotonda de Penn Station
 

Get Carried Away, You Have the Right es el título de la instalación de David Rios Ferreira. "La Rotonda de Amtrak en Penn Station sirve como una puerta simbólica, que conecta personas, experiencias e historias. Reconociendo la importancia de entender de dónde venimos para recorrer el camino hacia el que nos dirigimos, exploro el impacto de la historia en nuestras vidas a través de mi arte. Inspirándome en la cultura Caribeña, así como en las prácticas espirituales Indígenas y Africanas, he creado una obra específica para el sitio para Amtrak que transforma la rotonda en una terminal cósmica, influenciada por el Futurismo Indígena y Afrofuturismo, y por el concepto de Mestizaje.

En el centro de la rotonda, cuatro pilares adornados con figuras que representan seres temporales desdibujan la frontera entre lo figurativo y lo abstracto. Estas figuras evocan la presencia de ángeles, ancestros o dioses. A medida que los visitantes suben por la escalera mecánica para salir de la rotonda, son saludados por serpientes cósmicas a lo largo de los sofitos. Las serpientes, reconocidas como símbolos del tiempo y puertas entre los mundos en muchas culturas, refuerzan la experiencia inmersiva. Mirando hacia arriba desde el centro de los pilares, los visitantes pueden ver una puerta celestial entre pantallas, que destaca la naturaleza trascendente del espacio.

Para crear esta obra, combiné imágenes de diferentes períodos y orígenes, que varían desde caricaturas y animación hasta grabados del siglo XVIII y jeroglíficos precoloniales, incluidas imágenes de los archivos de Amtrak. En toda la instalación, uno puede ver mapas, vagones de trenes, y elementos de diseño tomados de antiguos menús de Amtrak Cafe, talones de boletos, folletos de rutas y otras fuentes. Mediante la fusión de estos elementos, construí un universo imaginario dentro de la rotonda: un espacio futurista que simboliza la convergencia del pasado y del presente. La inclusión de seres temporales, serpientes cósmicas y una puerta celestial en la obra de arte refleja la misión de Amtrak de transportar a las personas a sus destinos deseados. El título de la obra, ​​​​​​​Get Carried Away, You Have the Right, combina los eslóganes de dos campañas de Amtrak, lo que destaca la diversidad de personas, historias y relatos que se entrecruzan con el concepto de los viajes.

A través de esta instalación transformadora, fusiono el pasado con el presente, creando un espacio que invita a los espectadores a contemplar su lugar dentro de la historia y a imaginar nuevas posibilidades para el futuro. La obra de arte sirve como catalizador para que reflexionemos sobre el poder transformador de viajar y el potencial de crecimiento personal y exploración que tenemos por delante".

SHOSHANNA WEINBERGER

Traveling Through Horizons, 2023
Impresión digital sobre film adhesivo de vinilo

Explanada de Penn Station
 

“Traveling Through Horizons​​​​​​​ representa cómo la civilización mide el tiempo entre el amanecer y el atardecer. Los colores del amanecer al atardecer envuelven y se repiten en todo el friso de la explanada, así como en las columnas.

Junto con las variaciones del color del cielo, franjas horizontales y verticales se correlacionan con números específicos de tiempo medido: 24 horas, 7 días y 12 meses. Las franjas blancas y negras crean un lenguaje visual y una codificación que representan las líneas de división de la sociedad (es decir, raza, economía, clase y política). También actúan como metáforas universales de las fronteras, banderas, cercos, animales, códigos de barra y mi propia hibridez como Estadounidense Afrocaribeña.

En las columnas hay cinco figuras: todas ellas musas que se repiten en mi práctica de estudio y simbolizan cuerpos marginados, y la de mi propio cuerpo, cubiertas de franjas. Estas figuras anónimas representan nuestra conciencia colectiva dentro del tiempo medido, entrando y saliendo de espacios públicos dentro de las sociedades en todas partes".

JOSHUA FRANKEL

Within the Crowd There is a Quality, 2023
Videoinstalación

Moynihan Train Hall, pantallas digitales de la sala principal
En colaboración con Empire State Development
 

"La obra se titula ​​​​​​​Within the Crowd There is a Quality​​​​​​​. Es la primera pieza de mi nueva obra sobre las multitudes. He creado una serie de bucles de animación inspirados en la gente de New York -mis vecinos- y los recombiné para formar una multitud. Dentro de esta multitud, manipulo las velocidades a las que caminan los peatones animados para que sus pasos se sincronicen gradualmente entre sí. Durante un breve instante, todas las personas de una inmensa multitud animada, que se extiende por las cuatro pantallas del Moynihan Train Hall, estarán sincronizadas entre sí. Y luego volverán a desincronizarse. Crecí en este barrio, unas diez manzanas al norte, en Hell's Kitchen, y mis dos abuelos trabajaban en la oficina de correos, uno de ellos en el propio edificio Farley, que ahora alberga el Moynihan Train Hall. Así que esta presentación tiene un profundo significado para mí".

Tim Doud, nacido en 1961, se graduó de la Escuela del Instituto de Arte de Chicago con un MFA en Pintura y Dibujo. Es Cofundador de STABLE en Washington DC, el proyecto 'sindikit en Baltimore y Coeditor de Out of Place: Artists, Pedagogy and Purpose. Le interesa el oficio de hacer, así como la legibilidad final y el aspecto del objeto confeccionado. Las pinturas y dibujos de Tim Doud abordan dos producciones de obras aparentemente distintas, una figurativa y una abstracta. Estas producciones de obras sirven como contexto para discusiones más amplias sobre las identidades construidas, las marcas y la cultura como producto. Históricamente, es retratista y le interesa cómo el retrato funciona como práctica y significante cultural. Cuando comienza una nueva serie de obras -figurativas o abstractas- establece perímetros -reglas y obstáculos que rigen la tarea y el desarrollo del trabajo.

Siga al artista en Instagram @timdoud_art y visite su sitio web en timdoud.net.

Shahzia Sikander es célebre por subvertir las tradiciones de la pintura en miniatura de Asia central y meridional en diálogo con las prácticas artísticas internacionales contemporáneas y por lanzar la forma conocida en la actualidad como neominiatura. Las pinturas, animaciones en video, mosaicos y esculturas de Sikander exploran el género, la sexualidad, los relatos raciales y las historias coloniales, cuestionando las ideas sobre el lenguaje, el comercio, el imperio y la migración desde una perspectiva feminista. Sikander recibió, entre otros, el Premio MacArthur y el Premio Pollock a la Creatividad de la Fundación Pollock-Krasner.

Siga a la artista en Instagram @shahzia.sikander y visite su sitio web en shahziasikander.com.

Los dibujos abstractos, las esculturas y las instalaciones de David Rios Ferreira meditan sobre el pasado estudiando grabados históricos que representan relatos coloniales y caricaturas políticas que ilustran el imperialismo Estadounidense. Fusionado con la naturaleza reductora de los libros infantiles para colorear y la cultura pop, Ferreira crea nuevas producciones: seres temporales y paisajes híbridos como transmisores de historias imaginadas. Su amplio imaginario señala cómo la obra soporta, interpreta y transforma la memoria histórica.

Ferreira ha expuesto en galerías y museos en U.S. y el exterior. Ha expuesto individualmente en Wave Hill (Bronx, NY), Morgan Lehman Gallery (New York, NY), el Brattleboro Museum & Art Center (Brattleboro, VT), el Utah Museum of Fine Arts (Salt Lake City, UT). Ferreira ha obtenido encargos de BRIC (Brooklyn, NY) y Meta Open Arts y tiene próximas obras públicas en​​​​​​​ New York, que comienzan en 2023.

Ha tenido residencias en Lower East Side Printshop (New York, NY), Elizabeth Foundation for the Arts (New York, NY) y The Center for Book Arts (New York, NY). Rios Ferreira ha participado en programas de desarrollo profesional como Emerge 11 en Aljira (Newark, NJ) y el programa Artist in the Marketplace (AIM)​​​​​​​ del Bronx Museum (Bronx, NY). Entre los premios recibidos figuran una Beca del Consejo para las Artes del Estado de New Jersey y una subvención del Fondo para las Artes de la Asociación Nacional de Artes y Cultura Latinas. También ha sido nominado para el premio United States Artists y la Beca Joan Mitchell. David Rios Ferreira obtuvo su licenciatura BFA en The Cooper Union y actualmente vive y trabaja en Jersey City y Newark, NJ.

Siga a la artista en Instagram @davidriosart y visite su sitio web en davidriosart.com para escuchar a David hablar sobre su trabajo en Soundcloud.

Shoshanna Weinberger, nacida en Kignston, Jamaica, recibió su maestría MFA en Yale School of Art en 2003 y su licenciatura en Bellas Artes en The School of the Art Institute of Chicago en 1995.

Weinberger vive y trabaja en Newark, NJ, desde 2006, y su trabajo hace referencia a su origen Caribeño-Estadounidense, que explora la complejidad del legado y la psicología de la identidad periférica. Se considera una antropóloga visual, que cataloga y explora estas experiencias que en última instancia cuestionan nociones de normas de belleza asumidas e identidad a través de obras en serie continuas que dan por resultado pinturas abstractas, dibujos, collage, combinación de medios e instalaciones de esculturas.

Su trabajo ha sido expuesto a nivel nacional e internacional en numerosos grupos por invitación y exposiciones individuales. Weinberger participó en cinco oportunidades en la Bienal de Jamaica, de 2006 a 2017, celebrada en Kingston, Jamaica; y ha sido incluida en la Bienal de Martinique de 2013.

Expone hace más de dos décadas y sus exposiciones más destacadas incluyen: National Gallery of Jamaica; The Bronx Museum; Wave Hill; y NSU Art Museum Fort Lauderdale. Beneficiaria de una Subvención para Pintores y Escultores de Joan Mitchell Foundation en 2014; Residencia Artística de Joan Mitchell Center en 2015; Beca en 2016 del Consejo para las Artes del Estado de NJ; Residencia Artística Project for Empty Space en 2018; Premio Dawn Scott Memorial 2019, National Gallery of Jamaica; Subvención Newark Artist Accelerator en 2020 que fue posible gracias a Andy Warhol Foundation; Subvención del Creative Catalyst Fund de City of Newark en 2021; Comisión de Murales de Newark Arts Four Corners Public Art en 2021. Recientemente recibió: Beca del Consejo para las Artes del Estado de NJ en 2022; Residencia Artística de McColl Center en 2022; Comisión de Arte Público en 2022 en New Terminal A, Newark Liberty Airport; Subvención para Artistas Visuales en 2022 de Nancy Graves Foundation; Subvención de Renovación en 2022 de Newark Arts; recibió una Beca en 2022-2023, Jamaica Art Society; Subvención del Creative Catalyst Fund de City of Newark en 2023; y Residencia Artística de Guttenberg Arts en 2023. Weinberger también es profesora adjunta del Departamento de Arte, Cultura y Medios de Rutgers University - Newark Campus. Las colecciones permanentes incluyen las de New Jersey State Museum; Newark Museum of Art; Girls Club Collection, Fort Lauderdale; The Margulies Collection, Miami; Davidson College, NC; AC Kingston Collection, Jamaica; y The Sheldon Museum of Art, Lincoln, NE.

Siga a la artista en Instagram @shoshannaweinberger y visite su sitio web en shoshanna.info para escuchar sobre Shoshanna y su trabajo en Soundcloud.

Joshua Frankel es un artista que crea películas, óperas, animaciones, dibujos, grabados, arte público y experiencias multidisciplinarias. Su obra fue presentada en instituciones como BAM, New Museum, Film Society of Lincoln Center, US Library of Congress, The River to River Festival, PEAK Performances, EMPAC y el Foro Urbano Mundial de la ONU. Frankel fue coautor y director de A MARVELOUS ORDER, una ópera sobre Robert Moses y Jane Jacobs con animación, calificada de "impresionante" por la crítica Heidi Waleson, del Wall Street Journal. También creó murales públicos en colaboración con su esposa, la artista Eve Biddle, entre ellos el recientemente restaurado QUEENS IS THE FUTURE.

Siga al artista en Instagram @joshuafrankel y visite su sitio web en joshuafrankel.net.

Una galardonada conservadora y productora de artes públicas, Debra Simon tiene más de 30 años de experiencia en programación de artes visuales y escénicas para organizaciones cívicas, la industria de bienes raíces y otras empresas. Mientras trabajaba en Downtown Alliance, creó la serie de conciertos Music at Castle Clinton, Dine Around Downtown y cofundó el Festival River to River en 2002. Como Directora de Artes de Times Square, Simon supervisó Midnight Moment, la exhibición de arte digital más grande del mundo en vallas publicitarias electrónicas, y la competencia anual de diseño Valentine Heart, entre otros proyectos para los más de 300,000 visitantes diarios de Times Square. Como Directora Artística de Brookfield Properties, dirigió un programa artístico nacional que planeó y ejecutó una programación multidisciplinaria, presentando más de 500 eventos gratuitos al año en New York, Denver, Los Angeles y Houston. Las colaboraciones con artistas, arquitectos, paisajistas, organizaciones artísticas locales y socios presentadores contribuyeron a su experiencia en la creación y reinvención de espacios públicos. Los clientes actuales incluyen Amtrak, Taconic Partners, Hudson Yard Hell's Kitchen Alliance, Fifth Avenue Association y Third Street Music School Settlement. Para obtener más información, visite Debra Simon Art Consulting. Simon está colaborando con el productor Common Ground Arts para realizar Art at Amtrak. Visite dsimonartconsulting.com para más información.

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